AnAcRóNiCa
PRÁCTICAS PERFORMÁTICAS INCIERTAS
artistas ecuatorianxs
Edison Cáceres Coro * Daniel León * Gabriel Arroyo Gallardo *
Vol. XX de la Serie Open field / campo abiertO
Laboratorio de acciones 100 x Siento - año 2015
Curaduría: Graciela Ovejero Postigo
Sábado 22 de Agosto, 19:30hs> Performances + Conversatorio y Fiesta DJ JCHYWEPCT (Ecuador) e invitados.
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Los ARTISTAS de AnAcRóNiCa participan del colectivo de gestión La MULTINACIONAL de Quito y estarán en Residencia en Buenos Aires, en Peras de Olmo - Ars Continua desde el 16 al 23 de agosto.
Este proyecto se presenta en dos momentos expositivos: Videos y Acciones en presencia y una propuesta de Laboratorio durante 3 días, abierta a interesadxs:
1. Muestra de Video y Registro de performance de
artistas Ecuatorianos > Lunes 17 de Agosto.
2. Laboratorio de Arte de Acción AnAcRóNiCo > Miércoles 19 a Viernes
21 de Agosto, de 18 a 21 hs,
con muestra de acciones abierta al público el mismo día a partir de
las 21:30 hs. PLAZAS LIMITADAS
RESERVA de INSCRIPCIÓN > peras.de.olmo.art@gmail.com
Retribución $375 pesos. Se entrega al INICIO Miércoles 19, 18hs.
3. Muestra en Vivo, Artistas de Ecuador > Sábado 22, 19:30 hs.
Seguido de Conversatorio y Fiesta DJ con JCHY e Invitadxs.
Premisa Curatorial:
Este volumen XX de la Serie curatorial reúne artistas ecuatorianos, 3, subjetividades masculinas que comparten cercanías y colaboraciones en la escena independiente del arte contemporáneo de su país en Quito, y la misma trama generacional, siendo todos nacidos a comienzo de los años 80. Una nueva oportunidad para compartir y seguir pensando los lugares y abordajes del arte acción en el amplio espectro de la actual realidad latinoamericana --entre otros tantos intereses de reflexión y encuentro--, porque de Quito a Buenos Aires se extiende un mismo suelo de múltiples memorias, voluntades y accidentes que nos habla de diversidades en semejanzas. Y es que además, “desde no hace mucho…” como dijo hoy mismo una amiga porteña, “la Argentina es latinoamericana”, expresión compleja pero resonante. Aquella mitología generalizada de descendencia “de los barcos”, negadora de zonas e historias de mestizajes que minorizó su reflejo con otros países hermanos continentales, ha sido desestabilizada por las propias crisis, contradicciones y dinámicas incontenibles de las luchas simbólicas, de clase, del interjuego de apropiaciones y reatribuciones culturales y los desbordes demográficos internos o regionales propios de las sucesivas fragilizaciones laborales, institucionales y económicas de los paradigmas de herencia neoliberal asentados sobre viejos trazos de impronta colonial, europeísta o “primer mundista”.
En el campo del arte en Latinoamérica, esto estuvo siempre a flor de piel, nos reconocemos como identidades que incluyen pérdidas importantes, reiteradas, que no han dejado de inquietar y motivar propósitos, emocionalidades críticas, no ingenuamente sostenedoras de la intencionalidad de recuperar e integrar esas pérdidas a paradigmas mas vitales, justos e inteligentes. Ya sin entrar demasiado en esa maraña histórica de proyectos económicos y ficciones identitarias colectivas en gran parte reductivas, oprimentes y alienadoras, atendemos conscientes a las dificultades y pulsos diarios de ese sustrato y a todo lo que nos constituye finalmente como un mundo impuro de gran fecundidad y curiosidad cultural. Lo hacemos naturalizado en la discursividad pluricodificada, antes aun, de que el postmodernismo intentara seducirnos con la complacencia de lo incierto, por momentos pareciera que propiciando mayores vulnerabilidades favorables a la vorágine mutante del capitalismo último.
Algo de esta intencionalidad confrontativa, neurálgica como síntoma pero indagatoriamente propositiva y deseante, la percibimos en la narrativa de presentación y obras que generan los 3 artistas del colectivo quiteño de gestión y producción La MULTINACIONAL, ya desde su contundente título de proyecto “AnAcRóNiCa”. Las Notas de Trabajo que sistemáticamente solicitamos a lxs artistas participantes en cada volumen de esta serie curatorial, independientemente de la producción de texto que genera quien es invitadx a realizar la curaduría, es un ejercicio que nos permite una entrada más al proceso creativo y a la producción de pensamiento que sustenta las obras y el posicionamiento de lxs artistas en su autonomía dialogante con el proyecto en el cual están incluidos y su contexto en general. En este caso, en un rápido desglose de términos podemos identificar dos campos tonales diferentes en relación de secuencia ligeramente funcional, interdependientes... palabras que connotan ‘síntoma’, estado emocional y por lo mismo un cierto ‘diagnóstico’, y frases o ideas que connotan ‘construcciones propositivas’. Leamos:
‘Síntoma y diagnóstico’, el lado crítico, el reflejo contextual de una lectura sensible, que inunda la existencia diaria > “ironía, parodia, cinismo” … “camuflaje, la impostación, la incerteza”… la “precariedad”, la “impertinencia” … / la “posibilidad vacua de nuestro futuro” … el cuestionarse “¿qué nos queda después del fin?” / “La dilatación” “La dispersión” … Lo “no‐sólido” … “estado fantasma, inasible, impropio” //
‘construcciones propositivas’ > “el emplazamiento del artista como ente “socialmente productivo” / “Develar el estado fantástico individual y grupal” … “lo lúdico como un referente psíquico de valor” … para crear “realidades alternas”, una “alternativa de vida distinta” / la afirmación de “espacios META” la indagación de ”lo que existe en la abstracción”.
Las voces parecen surgir de un cierto ‘estar fuera de... ’ lo observable/observado, de una distancia o fatiga por lo insistente y repetitivo de los condicionamientos percibidos, un no disimulado “desencanto” que se resuelve en un desmarque, no como abandono sino más bien como apertura hacia una intensificación intencional del síntoma, como posible ensayo liberador, al menos en la dimensión potencialmente autónoma que le queda a la subjetividad.
Graciela Ovejero Postigo. © Buenos Aires AR. Agosto 7, 2015.
Texto Curatorial:
AnAcRóNiCa
“ellos me condenaron a irme pero yo les condené a quedarse”
Diógenes el perro
por La MULTINACIONAL
ESPACIO DE DIÁLOGOS Y PRÁCTICAS ARTÍSTICAS. Ecuador, Quito.
El proyecto AnAcRóNiCa involucra una residencia en Peras de Olmo – Ars Continua (espacio de Producción, Exhibición e intercambio en Arte Actual, Buenos Aires, Argentina), y una muestra de performance a partir de un proceso de laboratorio denominado “AnAcRóNiCo” propuesto por artistas ecuatorianos vinculados al proyecto de La Multinacional (Quito - Ecuador).
El planteamiento de trabajo de La Multinacional (Quito - Ecuador), en el marco de la Serie Open field / campo abiertO de Peras de Olmo (Bs. As. - Argentina), es un espectro curatorial que aparece como una extensión de nuestras prácticas y experiencias. Se asume la anacronía-anacrónico como un proceso por el que lo a-temporal, lo descolocado, lo incierto y la impertinencia operan con sistemas estéticos y creativos inquietantes para generar situaciones, acciones y prácticas artísticas.
ANACRONÍA toma la impertinencia como modo de hacer y de ser del artista; frente a la bienaventuranza hipócrita positivista del progreso. Al mismo tiempo, propone distanciarse de lo retórico y hacerse cargo del cinismo versus cualquier tipo de creencia dúctil; lo cual genera experiencias y reflexiones con una multiplicidad de abordajes, contenidos y conceptos que dan cabida sobre todo a la idea de individuo, y proyecta condiciones por fuera de lo establecido, favoreciendo así despliegues propositivos e investigativos sobre las particularidades propias del trabajo de los artistas participantes.
Se piensa el cinismo en el sentido de “Incidir sobre eso mismo que molesta”, como eje que visualiza aquellas zonas de estabilidad y confort, cuestionando visiones salvíficas, reversibles que plantean tomar posición. Frente a esta toma de partido, la no elección es una opción; tomando distancia de lo políticamente correcto cuya matriz es lo inmediatamente constructivo y lo que ha de hacerse.
ANACRONÍA articulará los recursos y lenguajes de la performance como motor de irrupción social, en su aspecto comunicativo.
Dentro de este proceso, hemos tomado en cuenta a artistas que en sus diferentes procesos han sido parte de las diferentes propuestas presentadas en La Multinacional y que por su forma de trabajo y compromiso se adhieren a la propuesta ANACRONÍA.
ARTISTAS en AnAcRóNiCa
Edison Cáceres Coro / Daniel León / Gabriel Arroyo Gallardo
La MULTINACIONAL
ESPACIO DE DIÁLOGOS Y PRÁCTICAS ARTÍSTICAS. Ecuador, Quito.
Biografías breves de lxs artistas:
Edison Cáceres Coro nace en 1980. Reside y trabaja en Quito, Ecuador, obtiene una licenciatura y diplomado por la Facultad de artes UCE. Realiza una residencia de arte acción en Valparaíso- Chile en 2011. Desde este año, crea y coordina el proyecto de La Multinacional, un espacio de producción, exhibición y difusión de arte en Ecuador. Genera diferentes plataformas de trabajo: festivales, encuentros, programas de residencia, laboratorios y organización de muestras en su mayoría divergentes. HÉLICE-FESTIVAL INTERNACIONAL DE PERFORMANCE-QUITO junio 2015, “LÍNEA IMAGINARIA” febrero 2015, Cero-Punto-Raya julio 2014. Parte de la organización de AD-HOC en2013, muestra que aparece desde la impertinencia y la descolocación a través de activar una casa abandonada como sitio expositivo y de producción para artistas; “Asentamiento Performance”, y por último, portafolios, documentación y visibilización de artistas alrededor de la práctica de la performance en el Ecuador.
En agosto 2015, participa en la muestra “Dando la cara” autorretrato y autorepresentación. Realiza la performance “Dishes”, acción conjunta, en julio 2015, “Artista del Hambre o Hambre del artista” en junio 2015 en Hélice- Festival de performance, Y “Conferencia”, acción conjunta, en mayo 2015. En febrero 2015, presenta “project bach.teria”, propuesta sonoro-visual, en el project room de arte actual por un lado y en el Festival Mínimas residencias en Quito por el otro. Ha expuesto de manera individual y colectiva dentro y fuera del país en espacios públicos y galerías (institucionalizadas y autónomas), en encuentros de arte acción, instalaciónes, pintura, dibujo, video, cine experimental, documental tanto en Latinoamérica como en Europa. Su proceso de trabajo busca en la indeterminación de una temática la dinamización de sus propuestas. Alejándose de escenarios románticos, utópicos, prefiere una espontaneidad caótica que genere híbridos visuales en base de medios actuales y tradicionales. Conforma el Colectivo PalaMinga.
www.edisoncacerescoro.wordpress.com
www.lamultinacional1.wordpress.com
OBRA
Artista del hambre o hambre del artista
Abordo diferentes intereses en relación a mis propias temporalidades y circunstancias. Mis últimas producciones han considerado la ironía, parodia y cinismo como mecanismos que deconstruyen: imaginarios, imágenes, instituciones, conceptos y contenidos formados por tradiciones casi siempre erróneas y modernistas.
Mi proceso reflexiona en doble vía a través de ideas como el camuflaje, la impostación, la incerteza. No pretendo abordar temas “trascendentales”, confío en la simplicidad de posicionar un gesto parásito cuando veo la oportunidad de decir algo en forma de comentario desde el arte.
Mis últimas producciones consideran elementos de cuestionamiento del arte. En ocasiones como crítica en temas como el mercado, la difusión, la precariedad del artista y sus modos de producción; y en otras desde la reflexión como productora de imágenes y sonidos desde el simple espacio lúdico, matizados siempre por el atravesamiento coyuntural y cotidiano de mi propia existencia como un gesto que busca un denominador común entre lo que se hace, dice y piensa.
Trabajo diferentes series al mismo tiempo, actualmente realizo analogías entre los diferentes medios que tienen los individuos para subsistir, interesándome por las profesiones que son vistas como estigmas sociales y reflexionando en función del tiempo-trabajo-ganancia.
“Artista del Hambre o hambre del artista” es una acción realizada en junio 2015, en Quito. Desborda una suerte de crítica en torno a la idea de inacción institucional, se la plantea desde el gesto de arrastrar carne con mi boca, y al atravesar un espacio oficial, marcado por lo que podría ser un rastro de podredumbre a vista, y la paciencia de los acólitos que trazan planes y estrategias en función de sus propios intereses.
Pensaba en los diferentes gestos en el arte que han trazado una línea como metáforas de seguimiento y fractura al mismo tiempo (Nam June Paik, Doris Salcedo). Y he considerado la extrapolación del cuerpo desde el riesgo y la exacerbación de mi propia percepción a través del cansancio, la fatiga.
Como gesto propone la huida de estos espacios, pero tomando, antes de hacerlo, lo que a uno le pertenece. Evoca momentos viscerales y descarnados que encubren de forma sutil lo que podría pensarse que es una acción autorreferencial o hasta intimista. Sin embrago, se emplaza de forma subyacente un claro mensaje de boicot a elefantes blancos.
Para la residencia en Peras de Olmo-Ars Continua, propongo ciertos matices de esta acción, prolongados con tópicos que parten del título de la acción. Y que piensan en el emplazamiento del artista como ente “socialmente productivo”
Se propone la activación en espacio público y cerrado a través de registros fotográficos y de video para socialización y reflexión.
En la foto mas adelante esta en minúscula
Acá vuelve a aparecer, habría que fijar posición respecto a las mayúsculas y ponerlo siempre igual.
Daniel León. Nace el 22 de septiembre de 1981. Vive y trabaja en Quito, Ecuador. ESTUDIOS REALIZADOS en el nivel superior: dos Semestred de Pedagogía “I.N.E.P.E.” Con Acuerdo Ministerial con La Politécnica Nacional. Universidad Central de Ecuador, Licenciatura en Artes Plásticas con Mención en Escultura – Grabado. Diplomado en el Estudio del Arte Ecuatoriano en la Universidad Central del Ecuador.
EXPOSICIONES REALIZADAS: LUIS A. MARTINES (AMBATO), Mención de Honor. CASA DE LA CULTURA NÚCLEO DE BAÑOS. EL ARTE IRREVERENTE (Casa de la Cultura Ecuatoriana – Quito). PRIMERA EXPOSICIÓN DE GRAFICA (Museo Camilo Egas ). OVIEDO-QUITO (Centro Cultural PUCE). MAPPING DE CITY (Asociación Humboldt). ARTISTA NOVEL (Alianza Francesa). PREMIO AL PÚBLICO (Barrio Urb. Santiago). PREMIO AL PÚBLICO(Barrio Chimbacalle). ARTE DOMICILIARIO (DOMICILO DEL ARTISTA, CHIMBACALLE). MÁS RAYADOS QUE UN CUADERNO (S1-90 Casa de Prácticas Culturales) LABORATORIO DE VIDEO PERFORMANCE. ACCIONES PÚBLICAS (PLAZA DE SAN FRANCISCO, PLAZA GRANDE, FRENTE AL BANCO CENTRAL DEL ECUADOR). PRIMER FESTIVAL DEL MOUSE. DOCE MAS UNO (EXPOSICIÓN PARALELA A LA BIENAL DE CUENCA). INTERVENCIONES DE ARTE COMUNITARIO E INTERDICIPLINARIO EN LOS BARRIOS EL CALZADO, SAN DIEGO, CHAVEZPAMBA. ACCIONES DE PRFORMANCE EN LA MULTINACIONAL. VIDEO ARTE EN LA MULTINACIONAL. ACCIONES PERFORMATICAS EN ESPACIOS PÚBLICOS. EXPOSICIONES REALIZADAS C EN EL C LEC I “PalaMinga”, Expo #1 (Antiguos Edificios Colón). Segunda Vuelta (Conteiner). Arte en el Trole (Estación de la Villa flora). Arte en la Plaza (Plaza de san Francisco). Premio al Público (Barrio la Plywood). Acciones de performance (multinacional). Acciones de performance (calle). Acciones de performance (ecua-uio). Video arte (multinacional).
OBRA
S/T (“en la historia como en la naturaleza, la pobredumbre es el laboratorio de la vida” Marx)
Las múltiples acciones mutiladoras de las relaciones son necesarias para la nueva estructura sentimental que estamos creando en función de un ordenamiento autónomo, autosuficiente; o son las inevitables resplandecencias de un apocalíptico devenir, de ese fin al que hemos sido condenados desde antes de empezar esa posibilidad vacua de nuestro futuro; me surge la pregunta: ¿qué nos queda después del fin? Esa humanidad que pomposamente ostentamos quizás sea lo que nos detiene ¿Qué pasaría en un futuro menos humano? Un futuro cuyas leyes o regulaciones funcionan bajo principios de oposición mutua, en donde los capitales simbólicos son confrontados mecánicamente como una metonimia, permitiendo la construcción de presupuestos estéticos nuevos y presentando estéticas nuevas, o recicladas de dinámicas sociales determinadas a los nuevos conflictos que esta ficción te puede presentar en el vaivén de lo que somos y aprendimos. Tomando en cuenta la fantasía como algo innato a los seres humanos y que está perennemente rondando la psiquis y los espacios de interacción de las personas, develar el estado fantástico individual y grupal es un reto. Definir la ficción, desde las instancias cognitivas, como un proceso mental que yace en la memoria, como una capacidad del ser humano de registrar lo conocido y lo no conocido o percibido; o como una capacidad de ir un poco más allá de la objetividad del concepto y proporcionar a la ficción otra dimensión en la que se trae a la conciencia imágenes, sensaciones colores y sabores que circundan nuestra mente, nuestro contexto. Una dimensión en la que se juega la realidad como una suerte de respuesta alterna a otras realidades paralelas creadas por nosotros mismos. Se juega recreando y reciclando contenidos, deseos, frustraciones, alegrías, penas, épocas de nuestra existencia, etc.
Frente al hecho de encontrar juntos a seres humanos diversos que comparten una dinámica, un espacio y una temporalidad en sus vidas con destinos y subjetividades distintas, se pretende evocar los sentidos y así dar un estímulo lúdico como una alternativa de vida distinta enmarcada en un espacio y en un tiempo específico. Hemos tomado en cuenta lo lúdico como un referente psíquico de valor que conjuga una serie de elementos que evocan la infancia, la capacidad de imaginar, de evocar recuerdos y crear otros que vayan enlazados a la fuerza interna de lo arbitrario y de lo efímero. Regresar a las etapas primarias de nuestra existencia creando realidades alternas diversas (entrelazadas por factores comunes puestos en escena) y subjetivas, fantásticas, tomando en cuenta la dimensión que conceptos como lo imaginario, lo lúdico y lo fantástico tienen en la construcción de los sujetos como entes individuales y colectivos.
Gabriel Arroyo Gallardo (Quito, 1984.) Artista visual multidisciplinar. Realizó estudios en Diseño Industrial manteniendo una formación integral autodidacta. Su producción atraviesa varios enfoques disímiles. Su interés es el desencuentro inútil de lenguajes. Algunas exposiciones individuales: “MIL DISCULPAS POR MI PRESENCIA” (2015) en Arte Actual Flacso, “FADE” (2014) video instalación en Pereira-Colombia, serie de Performance “45 HORAS, 5 DIAS, 5 PERFORMANCES” (2013) en Project Room, “TRAFAGO” (2013) en La Multinacional, “RUTILACINANCIA” (2012) en NoLugar.
Participa en exposiciones colectivas nacionales e internacionales, mantiene un proyecto Medial-Sonoro-Visual-denominado “JCHY” y trabaja en el colectivo de gestión y producción “La MULTINACIOAL” arte contemporáneo.
OBRA
FUERZAS DE DILATACIÓN
De la Serie FUERZAS D.
La dispersión es un eje en el cual se establecen varios tránsitos etéreos. Del estado fantasma, inasible, impropio, indefinido surgen cuestionamientos ¿nada es sólido?, ¿todo es: no‐sólido?
Sobre imposibilidades asibles/posibilidades inasibles se despliegan/repliegan múltiples posiciones y trayectos donde el cuerpo interactúa como operador temporo-espacial.
Entonces, ¿se podría reflexionar acerca de este estado nebuloso, frágil, impreciso en la prueba de espacios META (“más allá de” o “después de”)? En estas reflexiones, cohabitan potenciales campos de interacción sobre aquello que se pliega/repliega y existe en la abstracción.
Agosto, 2015.